Componentes de la composición

De algún modo, ¿la música es un ejercicio de prueba y error hasta obtener lo que tienes en la cabeza y una vez se obtiene se perfila para obtener un mejor resultado?

Y otro asunto que no comprendo, schonberg dice que un compositor profesional puede ver su obra completa, antes de comenzar a trabajar en ella. ¿A qué se refiere? ¿Fue capaz Beethoven de concebir en su mente su novena sinfonía completa, su estructura o a lo que se refiera? Tengo entendido que Beethoven hizo muchas correcciones por poner un ejemplo, en su quinta sinfonía antes de terminarla.

Yoel escribió:

schonberg dice que un compositor profesional puede ver su obra completa, antes de comenzar a trabajar en ella

Arnold Schönberg, primer borrador de Tres piezas para piano, op.11 nº3 (1909) Algún que otro tachón también tiene. Fuente: http://www.harteconhache.com/2014/03/pintando-musica.html

Yoel escribió:

¿la música es un ejercicio de prueba y error hasta obtener lo que tienes en la cabeza y una vez se obtiene se perfila para obtener un mejor resultado?

Quien más, quien menos pinta, modela, escribe, hace chapuzas en casa o se hace una casa con cajas de cartón cuando es un niño o un adulto sin dinero. Pero no ocurre lo mismo con la música. El poco contacto que se suele tener con ella se limita a la interpretación (más bien lectura), excluyendo la improvisación y la composición como terrenos totalmente desconocidos.

Así comenzó Frank Gehry a perfilar en su cabeza el museo Guggemheim de Bilbao, aunque una persona ajena a la arquitectura no vea más que borratajos para él se trata de un apunte en el que ya visiona técnicas estándar de construcción aplicadas a una forma particular que quiere dar al edificio.

Fuente: http://institut03.blogspot.com/2012/01/los-esquemas-de-diseno.html



y que terminó después de miles de cálculos, diseños y soluciones técnicas



Lo que ningún arquitecto hace es poner un ladrillo tras otro a ver si le queda un buen edificio o ir tirando tabiques si no le gusta lo que sale. Hay una planificación conforme a unas técnicas de construcción y materiales conocidos. El trabajo de un compositor no es muy diferente. Por supuesto siempre se pueden hacer amontonamientos de material o ideas inconexas, y conseguir un espacio habitable que se tiene en píe. Y aún así el constructor sigue teniendo en mente qué es lo que quiere hacer e ideas, por más primitivas que sean, de qué técnicas utilizar: paredes lo más rectas posibles, esquinas que sujetan la estructura, abertura de entrada y salida, poner un techo impermeable para la lluvia,...



Fuente: http://javierabarca.es/universidad/ucm/curso-2006-07/carlos-del-solar/

Y como muestra un botón:

Boceto del coro final "Himno a la Alegría" (1810) de la 9ª sinfonía de Beethoven. Solo en contrapunto sencillo a dos voces y si se siguen las notas se puede comprobar que no es la versión final.



Boceto de "A Love Supreme" (1964) de John Coltrane con apuntes sobre temas musicales, instrumentación y forma.



Si la composición fuera fruto del método ensayo error consistente en la suma de sonidos hasta que suene bien músicos tan reconocidos como estos no utilizarían bocetos como nos cuenta en este documental la mujer de Beethoven... más adelante nos muestran el David de Shakespeare y la 5ª Sinfonía de Miguel Ángel...



Si alguien quiere componer música debe actuar como el que quiere hacer buenas fotografías o levantar buenos edificios. Uno puede coger la cámara y ponerse a disparar sin más esperando que las fotos salgan bien y sean artísticas. No suele ocurrir, controlar el encuadre, la exposición, la abertura, el ISO,... son conocimientos que el fotografo adquiere. Debe conocer el funcionamiento de la cámara, la manera en que capta la luz, qué parámetros debe ajustar para capturar la luz justa, estudiar composición,... y, sobre todo, analizar muchas fotografías de aquello que le interesa conseguir. En música hay que aprender técnicas de escritura, de instrumentación, de forma musical, etc. Exactamente lo mismo.



Hasta para ser Youtuber tienes que aprender las técnicas.

Creo que los grandes compositores van desarrollando ideas que van evolucionando a lo largo de su vida y van plasmando de distintas formas en sus obras, y creo que cuando se ponían/ponen a escribir ya tienen una idea bastante formada del resultado final, aunque siempre hay retoques, tachones, o cambios de opinión (es humano). Pero no todo el mundo escribe igual. Excepto que sean obras muy hechas en serie o con pocos elementos innovadores con respecto a las precedentes. Pero claro, para poder tener de antemano una idea bastante precisa de lo que vas a escribir, necesitas tener muchísima experiencia. Si estás empezando necesitas permitirte ir probando sonoridades al piano y sobre todo ENTRENAR EL OÍDO para poder entender por qué suenan bien las composiciones que te gustan, analizarlo e incorporarlo a tus ideas.

Es cosa de hacer las dos cosas tanto planificar desde "las alturas" como encontrar ideas en "las bajuras". Es tan relativo el proceso de la composición, al final quieres un único resultado y ya la elección de las rutas para llegar a tal resultado no importan si al final vas a llegar a ese resultado, pero ojo, ese resultado que tú quieres realmente es algo que se ha planificado desde antes, aunque sea de una manera muy abstracta, desde el momento en que digo "voy a componer a tempo rápido y en modo menor con un carácter apasionado" ya estoy concibiendo de alguna manera el "alma" de la obra. Ahora quiero que mi pieza tenga la estructura A - B - A'... Que A sea con melodías repetitivas, ritmo agitado y B sea cantabile con melodías variadas... Y así ya estas planificando y concibiendo la obra entera desde antes de siquiera escribir una nota. El objetivo de mi pieza es "una pieza en tempo rápido con carácter apasionado donde el modo menor brille y tenga un tema contrastante", ese el el garabato maestro. Puede surgirte un motivo o varios motivos, ideas musicales variopintas, etc... antes o después de planificar, eso es tan relativo pero lo que sí es que hay que tener bien en cuenta de cuál es el objetivo final de la pieza u obra, a qué va a parar todo esto.

Por ejemplo quiero una sonata extramusical de 4 movimientos todos puestos en un solo movimiento (sonata romántica) y que trate sobre el paseo que di el fin de semana al monte. El primer movimiento pues alegre, rápido llegando al campo, con mucha energía, admirando el paisaje, todo bonito caminando por las veredas. El segundo movimiento descansando de la larga caminata, un movimiento lento, satisfactorio, modo mayor. Luego una transición cuando se empieza a nublar de repente, típico de los climas primaverales y luego empieza el tercer movimiento cuando se suelta una tormenta y uno está ahí sufriendo (elemento contraste en la obra) movimiento rápido, modo menor, agitado, describiendo la tormenta y el sufrimiento que me hizo pasar que arruinó mi comida y todo eso . Luego el cuarto movimiento, el desenlace, ya se ha desnublado, todo está soleado otra vez, uno se siente aliviado de que no haya pasado a mayores, movimiento alegre, rapidillo, me voy a mi casa, fue una bonita experiencia etc.... Desde aquí ya estoy concibiendo la obra en su totalidad sin haber puesto ni siquiera una sola nota. Y repito, la música puede pensarse desde antes o durante pero el objetivo final es uno y está ahí desde antes. El compositor novato tiende a no saber lo que quiere e ir sacando sobre la marcha siempre las cosas y esto se vuelve increíblemente frustrante para el compositor, pero cuando el compositor sabe a lo que quiere llegar le resulta mucho más fácil componer la música, no estancarse, etc.. Y es cosa de ponerse a pensar por ejemplo qué voy a emplear para describir la tormenta en música?... primero que nada tempo, rápido, bastante rápido, modo menor, tremolo en las cuerdas, ritmo agitado, melodías repetitivas, que en medio haya un timbal representando al rayo que sea de estructura como una pirámide que va subiendo y subiendo y subiendo hasta el climax y luego bajando y bajando hasta llegar a lo "soleado otra vez", estilo romántico en la armonía, etc..... En cuanto tienes bien clara la estructura que vas a usar ,los intrumentos, el tempo, el carácter de las melodías, etc. Te va a resultar mucho más fácil componerle la música pues ya sabes lo que quieres, ya sabes cuál es el objetivo final.

¡Que interesante todo!

Saludos

Sinceramente, si vas a empezar te aconsejo que no leas libros. Lo mejor es que improvises al instrumento durante un tiempo buscando el estilo que desees IMITAR. Los libros (la gran mayoría) son para músicos que ya tienen un conocimiento PREVIO sólido y aunque en los primeros capítulos te enseñen lo básico en teoría, no existe un libro perfecto para enseñarte composición desde 0 ya que este arte es una simbiosis de varias prácticas como: melodía, armonía, contrapunto, textura, ritmo, etc... es un contenido muy denso para pretender aprenderlo con libros. Para componer es necesario antes llegar a la práctica a través de un instrumento (si es polifónico mucho mejor) e intentar imitar lo que ya existe para ir aprendiendo estilos (principal tarea) según cronología y empezando por armonía básica y el tratamiento de la melodía, pero siempre recurriendo a los libros como un complemento y no como una necesidad primaria, de lo contrario te aburrirás y dejarás de componer.

Un saludo!!

Gracias. Creo que empiezo a entenderlo.
No obstante tengo otra gran duda. Y es que cuando busco información toda va dirigida casi en exclusiva a la parte vertical de la partitura. Pero nunca encuentro nada relacionado con los motivos, temas, o melodías. ¿Podrían orientarme un poco?

No leas partituras sin escuchar. Lo mejor es leer a la vez que escuchas la música grabada. Aprendes más rápido y podrás identificar más cómodamente el entresijo que guarda una partitura. Con práctica y tiempo te acostumbrarás a identificar todo y podrás leer más rápido...

No sé si me explique bien.
A lo que me refería era a que si hay unas normas orientativas, o más o menos fijadas, acerca de la formación horizontal de la composición, leitmotivs, melodía, etc. Cómo por ejemplo que en las partes fuertes del compás se sitúen las notas más importantes del acorde.

Si te manejas con el inglés puedes echarle un vistazo a esto. Es bastante básico pero suficiente para empezar a entender la relación entre armonía y melodía.

Construyendo melodías: https://www.ars-nova.com/et/C10.html (Sección 3 Implicaciones armónicas de la melodía)

Desarrollando melodías: https://www.ars-nova.com/et/C11.html

Elementos de la forma: https://www.ars-nova.com/et/C12.html

Algo más técnico en estos artículos puedes profundizar con los tipos y usos de notas extrañas al acorde (paso, bordadura, apoyatura, elipsión):

http://www.elsaposabio.com/musica/?cat=48&paged=5

Pero lo fundamental es trabajarlo con el oído y la interpretación. Coger una estructura armónica e inventar (tocar, improvisar) melodías haciendo uso de cada uno de los recursos por separado y combinados. Con la práctica, la música rompe las barreras de la teoría y, poco a poco, la música se abre camino.