He llegado tarde a este hilo y lo lamento aunque no puedo evitar hacer alguna reflexión respecto a algún comentario que he leído de forma rápida.
Por ejemplo, en no considerar algún artista del siglo XX como Andy Warhol como clásico o hablar de forma peyorativa de algún movimiento artístico del siglo XX ha sucedido durante toda la historia del arte por distintos motivos que ahora sería muy largo analizar; nos ofuscamos en una idea fija de lo que debe o no debe ser el arte, mitificamos épocas anteriores o simplemente sacamos, no se de donde, un manual acerca de lo que se debe considerar como Arte. Y lo curioso es que en la mayoría de las ocasiones, analizamos obras del pasado con ojos del presente; esto es como tratar de entender una tribu del amazonas vistas con el lenguaje, las costumbres, la visión del mundo de un occidental. Hay que estudiar las obras del pasado considerando factores que nos ayuden a entender cómo se concibieron, cuál era la ideología la forma del ver el mundo de su época.
Mejor que mi explicación, echar un vistazo a "Historia del Arte" de Gombrich (no hace falta ir a textos más complicado) un libro que parece escrito para un vistazo superficial a toda la historia del arte pero que de una forma certera avisa sobre los prejuicios que muchas veces tenemos a la hora de analizar eso que nadie logra definir de forma definitiva como es el Arte.
Solo hay que echar la vista un poco atrás y comprobar las burlas a los impresionistas y los prejuicios de aquellos que consideraban que todo había que elaborarse en los talleres, con unos cánones ya establecidos. Lugares con un tratamiento de la luz artificial y alejados de lo que en realidad era el mundo.
Hay muchas personas que hablan con una seguridad que me sorprende sobre todo cuando ni siquiera sabemos como demonios estaba pintada originalmente la Capilla Sixtina, si con colores fuertes o atenuada por técnicas de la época ¿nos cargamos la capa original o quiso Miguel Ängel darle un color que sorprendió con la restauración? Todavía hay polémica.
Hay cuestiones que hay que considerar siempre; cuestiones como la realización de obras en serie, sobre todo desde el Renacimiento hasta la eclosión del individualismo a finales del siglo XIX; el mecenazgo, el concepto de artista-artesano de otras épocas que ahora no entendemos...
Respecto a los estudios, pues yo estudié Historia del Arte; no tenía asignaturas de Geografía, si alguna optativa de historia pero todo fue Historia del Arte, pero con unos profesores mediocres que ni siquiera supieron darme lo establecido en el plan de estudios y que no supieron fomentar lecturas obligadas si quieres adentrarte en el entramado teórico, me refiero al mismo Gombrich, a Panofsky y a tantos otros como Valeriano Bozal y demás.
Tampoco se fomenta en estos estudios la sociología del arte, la psicología de la percepción y otras tantas materias que son las que te obligan a pensar en el Arte en toda su dimensión.
He leído por ahí que las cosas son como son y no opino lo mismo. Se dice, por ejemplo que el arte realista es que que lleva al reflejo fiel de nuestro mundo. Sin embargo, hay quién manifiesta y opino lo mismo, que el al contrario, el arte realista es un artificio y que por el contrario el arte abstracto trata en la mayoría de los casos en adentrase en la visión, imaginación, sueños, impresiones que anidan en nuestro cerebro y que no se plasman por una interpretación dada de las formas sino que surgen de forma espontánea ¿no es eso real?
En fin, ya casi no me acuerdo de mil cosas de la carrera. Lo que si me acuerdo de lecturas posteriores son los análisis que caducan y que al cabo de unos años se desechan habiendo sido considerados válidos.
#605
Totalmente de acuerdo sobre Antonio López. Una visión del arte que me gustaría tener el valor de compartir y de aplicar.
Le gustaría a Barceló tener tanto valor.
Genovés es efímero, me parece bastante superficial, a sign of the times.
Totalmente en desacuerdo (respetuoso) sobre Warhol, cuyo aspecto decorativo (declarado e incuestionable) es secundario.
Hay un continuo en el lenguaje y la expresión de Genovés que, reinterpretado de forma escolástica y valenciana a la vez (valga la aparente paradoja) por el Equipo Crónica, y seguida después por otros seguidores que la llegaron a banalizar, como Úrculo.
Genovés era nuestro pop patrio de aquellos años, no iba a dedicarse a pintar sopas campbell, ni peinetas cañís, la progresía (que todavía tenía reparo en subir a un coche si no era para lanzar octavillas) se le hubiera echado encima. De ahí que no sea, entre otras cosas, tan decorativo como Warhol
En cuanto a que Warholl sea más o menos clásico, en realidad lo que es es una emergencia tardía, ya traída por los pelos, del dadaísmo, dentro de un movimiento derivado del Beatnik y que no podía sino funcionar sino con clichés neoyorkinos, de boina primero, de colorín y guitarrita (ya con un Pop consolidado) después y de Discoteca legendaria, de sida y vejez prematura en su ocaso, un valor de cambio, algo muy contemporáneo.
Cuando expresé la dicotomía entre signo e imagen me refería a la doble dimensión humana concepto-percepción. Es lo que ya desde la antigüedad se conoce como mundo sensible y mundo inteligible, physis-logos, phenomeno-noumeno.
En este sentido toda pintura es al mismo tiempo realista y abstracta. Velàzquez es un pintor abstracto, hasta el punto de que sus manchas crean la abstracción, la ilusión visual del espacio en tres dimensiones en Las Meninas, por ejemplo. Pero un perro al que se le mostrase el mastín castellano pintado no reaccionaría como ante otro perro real. El cuadro de Turner, del que se ha comentado, es una evolución lógica de ese sentido abstracto, que ya precede la "Impresion, soleil levant" de Monet. No es extraña la admiración de Manet hacia Velàzquez, o de Bacon por la fuerte expresividad del Inocencio X del sevillano . Ya desde la pintura bizantina y románica se puede hablar de una convención que evoluciona hacia un mayor naturalismo en el barroco, surgido del caravaggismo, pero toda representación pictórica es una abstracción que la mente humana traduce en imágenes e ideas.
Eso es una interpretación libre de la pintura de los museos, algo que a mí mismo me ha entretenido bastante y que puede resultar interesante; aunque es una invitación a caer en el anacronismo.
Una reflexión sobre qué es la pintura no tiene, en principio, pretensiones historicistas, ni pretende un rigor en la clasificación de estilos y periodos artísticos. No obstante , sería un error meter en el mismo saco a los neoclásicos y a los románticos (David e Ingres con Delacroix y Gericault, por ejemplo) aunque fueran contemporáneos.
Siguiendo con la dicotomía signo-imagen y con el ejemplo Ingres-Delacroix, recuerdo la definición que hacían de su arte cada uno de los dos. Ingres decía:"Adoro a Rafael y a los divinos griegos". Por su parte Delacroix decía:"Veo
(manchas de) colores, no líneas". He aquí la dicotomía: Rafael y los "divinos" griegos representan la dimensión ideal, la del mundo inteligible, la línea es una idealización, mientras que esas manchas de colores de Delacroix representan el mundo sensible.
Se podrían añadir muchos ejemplos.
#613
Lo que es un error, y de bulto, es abrir una brecha excesiva entre el neoclasicismo y el romanticismo, más en el fracés que es menos tendente a lo sublime que el alemán o inglés, eso sí que es seguir clasificaciones; pero de libro de texto de mi bachillerato.
conviene acordarse lo que le costó a López tener una exposición en el Reina Sofía.
