Biografías destacadas

Buenas a todos.

Desde que me registré he conocido mucha y buena música por las recomendaciones de muchos posts. Por eso me surgió la idea de seguir en ello con esta nueva iniciatica. Mi intención es la de archivar de alguna forma la información a modo de ficha rápida en la que poder descubrir cosas nuevas. Si en el hilo "¿Qué estas escuchando ahora mismo?" las podemos oir, aquí las podremos leer y así no tener que recurrir a más fuentes (o sí si nos interesa).
Puede que algo de sobra conocido para uno pueda ser novedoso para otros. Dada la cantidad de gustos y conocimientos que por aquí hay, podríamos aprender bastante y ampliar nuestras referencias.

Pues si os parece bien podemos seguir más o menos un modelo de post como el siguiente:

[NOMBRE]
Reseña biográfica
[Fuente]

[VALORACIÓN PERSONAL]
Qué aportaciones, detalles característicos, criterios técnicos u otras valoraciones objetivas y subjetivas que te hayan gustado de su trabajo, de su estilo, su carisma, filosofía...

[ARCHIVO VÍDEO ó AUDIO ó IMAGEN]
Ejemplo de lo comentado anteriormente

[ENLACES]
Para conocer más

Espero que descubramos y aprendamos más sobre nuestros propios gustos y los de los demás (respetando los de cada uno).
Había pensado en incluir artistas individuales pero se podría ampliar con, como dice el título, biografías destacadas en general relacionadas con el mundo de la música y el sonido, profesionales en general, destacados y reconocidos y otros no que no lo sean tanto. Por eso, si hay algo que comentar sobre la idea, adelante.

Saludos!

EMILY REMLER

Emily Remler (18 septiembre 1957 - 4 mayo 1990) fue una guitarrista de jazz estadounidense que saltó a la fama en la década de 1980. Grabó siete álbumes de hard bop, standards de jazz y fusión.

Nacida en Nueva York, Remler comenzó a tocar la guitarra a la edad de diez años. Inicialmente inspirada por artistas de rock como Jimi Hendrix y Johnny Winter, experimentó una epifanía musical durante sus estudios de 1974 a 1976 en el Berklee College of Music en Boston, Massachusetts. Empezó a escuchar a los grandes del jazz como Wes Montgomery, Joe Pass, Pat Martino, Charlie Christian, Miles Davis y John Coltrane y tomó el jazz con una intensidad feroz, practicando casi constantemente y nunca mirando hacia atrás. Después de graduarse en Berklee a los 18 años comenzó su carrera profesional girando por los EE.UU.

El primer paso importante fue establecerse en Nueva Orleans, donde tocó en clubes de blues y jazz con bandas como FourPlay y Little Queenie and the Percolators antes de comenzar su carrera discográfica en 1981. Fue defendida por el gran guitarrista Herb Ellis, quien se refirió a ella como "la nueva estrella de la guitarra". Ellis le presentó al mundo en el Concord, CA Jazz Festival en 1978.

Además de su carrera discográfica como líder y compositora, Remler tocó con artistas tan diversos como Larry Coryell, con el que grabó un álbum titulado Togheter. Produjo dos videos de aprendizaje de guitarra muy populares. También viajó varios años, durante los años ochenta, como guitarrista de Astrud Gilberto. En 1985, ganó el premio "Guitarrista del Año" en la encuesta internacional la revista Down Beat. En 1988, fue "Artist in Residence" en la Universidad de Duquesne y, en 1989, recibió el premio "Distinguished Alumni" de Berklee.

Gustó a todos los públicos con su amplio conocimiento de todas las formas de jazz. Se ganó el respeto de sus colegas músicos y críticos debido a su dedicación, entusiasmo y habilidad notables.
Remler, que era un adicta a la heroína, murió de un paro cardíaco a los 32 años en la casa de Connells Point del músico Ed Gaston, mientras estaba de gira en Australia.

Fuente: Emily Remler. (2012, 21 de noviembre). En Wikipedia, La enciclopedia libre. Obtenido 18:32, 29 de enero de 2013, de http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Emily_Remler&oldid=524142964
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Emily Remler representa para mí el coraje y voluntad de perseguir un camino personal. Sólo hay que ver sus vídeos instruccionales para captar su mensaje. Para ella el ritmo lo era todo, el swing, el flow, seguir el pulso de una canción, meterse dentro de ella nada más que para disfrutar. Ese es el fin último: nada de competiciones, imitaciones, frustraciones y demás, lo importante es disfrutar de lo que estás tocando, incorporando lo aprendido a tu propio y único estilo. Eso sí, esta afirmación a simple vista simplona y utópica encierra detrás un gran trabajo y esfuerzo, además del de hacerse valer en el mundo del jazz siendo mujer; tuvo que demostrar con tenacidad su valía en contra de las críticas, y así lo hizo. No creo que fuese una tarea fácil.




Para saber más: http://www.allthingsemily.com/biography/

STEVIE WONDER

Stevland Hardaway Judkins (nacido el 13 de mayo de 1950), conocido en el mundo artístico como Stevie Wonder, es un cantante, compositor, productor discográfico, músico y activista social estadounidense afroamericano. Wonder ha grabado más de 30 éxitos de ventas, ha recibido 25 premios Grammy (un récord para un artista vivo), entre ellos uno por logros en su vida, y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los compositores famosos.

Nació en Saginaw (Michigan) en 1950. Debido a su nacimiento prematuro (siete semanas antes) no desarrolló las retinas, quedando ciego. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la batería, el bajo y la armónica. En su niñez fue muy activo en el coro de su iglesia.

Los años setenta es la época más gloriosa de Stevie. En 1972 Stevie conoció a Johanan Vigoda, un abogado que consiguió que el artista firmara un contrato millonario, concediéndole al mismo tiempo una libertad creativa inimaginable en aquellos momentos dentro de una compañía tan férrea como era la Motown. El primer disco que Stevie grabó bajo esta nueva política fue Music of my Mind, en el que el cantante se hacía cargo, por primera vez en la historia, de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglista.

En el verano de 1973, Stevie sufrió un accidente de tráfico que lo mantuvo en coma durante varios días y a consecuencia del cual el músico perdió el sentido del olfato. Pero a pesar de este incidente, el resto de la década resultó gloriosa: de 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres «discos del año» seguidos por Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life, para muchos uno de los mejores discos de la historia. Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época. La década acaba con una banda sonora para el falso documental The secret life of plants, que a pesar de no cosechar el inmenso éxito comercial del disco anterior, obtuvo el disco de platino.

En los ochenta empieza con un nuevo trabajo, Hotter Than July, que recibe los ochenta a ritmo de reggae con el hit "Master Blaster", y que abre a Wonder a una audiencia más amplia. El artista inicia una lucha para conseguir que la fecha de nacimiento de Martin Luther King fuese declarado un día festivo en Estados Unidos. Efectúa colaboraciones importantes como "Ebony and ivory", junto a Paul McCartney o "Just good friends", junto a Michael Jackson, y recibe un nuevo Grammy por "We are the world". Publica un grandes éxitos, Musiquarium, en 1982, con cuatro temas inéditos y en 1984 lanza The woman in red, para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Óscar por la canción "I just called to say I love you". Publica además los discos In Square Circle y Characters. La década acaba con la inclusión del artista en el Rock and Roll Hall of Fame en 1989.

Después de publicar la banda sonora de la película de Spike Lee Jungle Fever, Wonder se dedica a actividades benéficas, retirándose parcialmente de los escenarios. Recibe el premio Grammy a toda una vida y graba, en 1996 Conversation Peace, un nuevo disco que le reporta dos Grammys. Además de sus colaboraciones con Luciano Pavarotti y de su participación en la banda sonora de la película de Disney Mulan, Wonder inicia una gira mundial que culmina con la grabación de un doble disco recopilatorio grabado en directo y editado por Motown.

Hubo que esperar diez años para una nueva publicación, que finalmente vio la luz en 2005 con el nombre de A Time to Love. El fallecimiento de personas cercanas y queridas para el artista como Syreeta Wright (su ex mujer y colaboradora en los años setenta), su madre Lula Mae Hardaway, Michael Jackson, su hermano Larry Hardaway, Ray Charles, Gerald Levert, Luther Vandross, significan un período triste para Stevie Wonder. Como nota positiva, Stevie recibe la notificación por parte de la Industry Association of America (RIAA) del certificado de 10 millones de unidades vendidas del mítico doble LP Songs in the Key of Life, siendo elegido dicho disco también para formar parte de Library of Congress (la Biblioteca del Congreso estadounidense).

La lista del 2003 de la revista Rolling Stone con los 500 discos más grandes de toda la historia incluyó cuatro de Stevie Wonder, además en el 2008 la misma revista le consideró uno de los diez mejores cantantes de todos los tiempos. En 2006 grabó junto a Andrea Bocelli, Canciones desafinadas – Canzoni stonate. En 2007 realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continúa al año siguiente por Europa, Canadá y Australia.

Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en el 2005, el mismo dia de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.

Fuente (editada): Colaboradores de Wikipedia. Stevie Wonder [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2013 [fecha de consulta: 2 de febrero del 2013]. Disponible en http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Stevie_Wonder&oldid=63253881.
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Qué decir de Stevie Wonder...escuchar su música es lo mejor que se puede hacer; disfrutar de su calidad, inspiración, versatilidad, carisma,...A mí me recuerda los primeros ochenta, algunas de sus canciones me traen imágenes muy nítidas de lo que fue mi infancia y en concreto de los veranos. Quizá porque sus temas tienen una atmósfera muy positiva, porque enganchan con melodías y armonías muy inspiradas e inspiradoras. Sin duda su genialidad como músico, su prolífica obra y su actitud hacen de este artista una figura de gran calado mediático. Y la verdad, con razón merece sus reconocimientos a toda una carrera.
De los discos que no podrían faltar en mi ficha musical, sin duda, Songs in the Key of Life sería uno de ellos.






Para saber más: http://steviewondersoul.blogspot.com.es/

Creò que tendría que ser mas breve y directo.. y luego con los enlaces ya se podría ver mas información.

Gracias por el comentario, eldeividd, la verdad es que lo pensé al ver el primer post, lo tendré en cuenta.
La biografía podría sintetizarse más. Mi idea primera era no poner un enlace en la reseña biográfica para conocer en el mismo post alguna información básica.

Ah, el modelo de post es sólo orientativo. Así quedaría una ficha básica completa pero el objetivo es conocer a primera vista al artista/profesional.

Buen trabajo, me gusta la idea!

#5 Ok, es solo por puntualizar. Creo que puede dar pereza si desde el principio te encuentras un texto tan amplio.
Yo pondría..

nombre
foto
descripción
breve resumen biografico
posibles anécdotas
video
y enlaces...

PIERRE SCHAEFFER



Pierre Henri Marie Schaeffer (14 de agosto de 1910 – 19 de agosto de 1995) fue un compositor francés. Es considerado el creador de la música concreta. Es autor del libro titulado Tratado de los objetos musicales, en donde expone toda su teoría sobre este tipo de música.

Schaeffer nació en Nancy. Después de un periodo como ingeniero de telecomunicaciones en Estrasburgo desde 1934, encontró un trabajo en 1936 en la Office de Radiodiffusion Télévision Française (ORTF) en París. Fue allí donde empezó a experimentar con sonidos grabados, convenciendo a los directivos de la emisora que le dejaran usar su equipo. Intentó tocar los sonidos al revés, ralentizándolos, acelerándolos y yuxtaponiéndolos con otros sonidos, técnicas todas ellas que por entonces eran virtualmente desconocidas.

En 1949, Schaeffer conoció a Pierre Henry, y los dos fundaron el Groupe de Recherche de Musique Concrète (GRMC) que recibió un reconocimiento oficial por parte de la ORTF en 1951. Le dieron un nuevo estudio, que incluía un magnetófono. Esto fue un desarrollo significativo para Schaeffer, que previamente había tenido que trabajar con platos giratorios para producir su música. Probablemente el alumno más famoso de GRM fue el músico de sintetizador Jean Michel Jarre, aunque Shaeffer más tarde comentó que las famosas obras posteriores de Jarre no le gustaban.

Continuó investigando las propiedades sónicas de los proyectos, publicando un importante trabajo sobre el tema, Traité des objets musicaux, en 1966. En él, intenta clasificar todos los objetos sonoros (objets sonores, sonidos percibidos como entidades; NO debe confundirse con objetos físicos que producen sonido) produciendo mediante la división de sus características en siete categorías. Schaeffer desempeñó una serie de puestos como maestro, incluyendo una cátedra asociada en el Conservatorio de París desde 1968 donde enseñó composición electrónica. Hacia el final de su vida, padeció la enfermedad de Alzheimer. Murió en Aix-en-Provence.

Música concreta

La importancia de la obra de Schaeffer con la música concreta para la creación contemporánea, es triple:
1.- Desarrolló el concepto de incluir cualquier sonido dentro del vocabulario musical.
2.- Fue de los primeros en manipular el sonido grabado de manera que pudiera usarse en unión con otros sonidos para hacer una pieza musical. Así que puede pensarse en él como un precursor de las prácticas de sampler contemporáneas.
3.- Enfatizó la importancia de jugar (usando sus palabras, jeu) en la creación musical. La idea de Schaeffer de jeu viene del verbo francés jouer, que tiene un doble significado, como el verbo inglés play; jugar y también tocar un instrumento musical. Esta noción se encuentra en el corazón del concepto de musique concrète.

Fuente: Colaboradores de Wikipedia. Pierre Schaeffer [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2012 [fecha de consulta: 5 de febrero del 2013]. Disponible en http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pierre_Schaeffer&oldid=62570281

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Su Tratado de los Objetos Musicales es, al menos en cuanto a presentación de su investigación, una obra de arte. Llena de revelaciones aunque también de algunas argumentaciones e ideas algo más que abstractas. Pero entendibles, al fin y al cabo. Aunque puedo afirmar que he aprendido a escuchar música concreta así como a las nuevas vanguardias con un mínimo de entendimiento, también es cierto que, a veces, no hay por donde pueda pillarla, según qué casos...
Para mi Pierre Schaeffer y su casi homónimo Murray Schafer (a los que me cuesta a veces diferenciar...) aportan un nuevo concepto de escucha, dentro de un contexto común pero con aportaciones particulares.




Para saber más: http://soundsthetics.blogspot.com.es/2011/10/pierre-schaeffer-y-la-aventura-de.html
http://soundsthetics.blogspot.com.es/2011/12/las-modalidades-de-escucha-de-schaeffer.html

#7 #8 Gracias de nuevo.

Eldeividd, la idea de la foto me parece bien como puedes comprobar , al menos con este tipo de vídeos, así se puede ver de quién se trata. Sobre la biografía pienso que cada uno lo haga como mejor prefiera aunque tu lista me parece bien; yo englobo descripción, biografía y anécdotas en el mismo bloque y sí, aún me va costando lo de sintetizar...

Saludos.

HENRY MANCINI



Enrico Nicola Mancini (Cleveland, 16 de abril de 1924 - Beverly Hills, 14 de junio de 1994). Fue un célebre compositor estadounidense de música destinada al cine, jazz, y de influencias latinas.

Es ampliamente recordado por ser el compositor de la banda sonora de la Pantera Rosa (por la que ganó un Grammy) y por su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción Moon River (de Desayuno con diamantes). Fue el creador de los temas de varias series de televisión (algunas de dibujos animados), Remington Steele, El pájaro espino o Peter Gunn, entre otras.

Hijo de inmigrantes italianos, a los ocho años su padre le introdujo en el estudio de la música y la flauta. A los 12, Mancini se inició en el piano y al cabo de pocos años comenzó a interesarse por los arreglos. La necesidad de profundizar le condujo hasta Max Adkins, director y arreglista de la orquesta del Stanley Theatre de Pittsburgh. Sirvió en la fuerza aérea y después en infantería. Tras su licenciamiento, en 1945, se unió como pianista arreglista a la orquesta de Glenn Miller y Tex Beneke

Comenzó a trabajar en el cine en 1952 en películas de serie B. En estos años, Mancini, junto con otros músicos de la Universal, trabajaron frenéticamente para crear una gran cantidad de material que sería usado y reutilizado en múltiples películas. En esta primera etapa, Mancini se caracteriza por un sonido sinfónico y atonal. En 1958 firma su primer trabajo en solitario, la conocida obra maestra de Orson Welles, Touch of Evil de 1958. Con esta obra, Mancini comienza a definir su personalidad musical: temas inspirados en el jazz, interpretados por una pequeña orquesta.

La música de Touch of Evil atrajo la atención del director Blake Edwards, quien lo contrató para hacer la música de su serie de televisión Peter Gunn, para la cual Mancini creó un tema que pasó a la antología de los grandes temas del cine. Del álbum se vendieron en poco tiempo más de un millón de copias. Además, la música de esta serie le valió dos premios Grammies en 1958. La relación entre Edwards y Mancini: más de 30 años y 28 películas.

En la década de 1960 Mancini alcanza su máxima popularidad, gracias a las películas de Edwards (La pantera rosa, Desayuno con diamantes, Días de vino y rosas y otras), pero también por su colaboración con otros grandes directores como Stanley Donen (Arabesco, Charada y especialmente Dos en la carretera) o Howard Hawks (Su juego favorito y Hatari!, con el tema "Baby Elephant Walk"). En esta década Mancini aporta otras de sus señas de identidad: el coro mixto, que interpreta el tema principal de la película. En las décadas de 1970 y 1980 se dedicó también a la televisión, y creó temas muy conocidos como los de las series Hotel y Remington Steele. En 1982 gana un Óscar por su comedia musical Victor o Victoria, sumando cuatro en total.

Henry Mancini falleció en 1994 víctima de un cáncer de páncreas.

Fuente: Colaboradores de Wikipedia. Henry Mancini [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2013 [fecha de consulta: 9 de febrero del 2013]. Disponible en http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Henry_Mancini&oldid=63158825
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Henri Mancini es un exponente destacado de la música orquestal, a la que aportó, con sus arreglos de coro, un estilo inconfundible. La calidad en la composición se puede comprobar en sus melodías sencillas y a la vez tan efectivas que aportaron un carácter único a sus temas. Para empezar a indagar en su música lo mejor es conseguir un recopilatorio y alucinar con la cantidad de éxitos atemporales que creó, para el cine, sobre todo.



Para saber más: http://www.henrymancini.com

JONI MITCHELL

[ Imagen no disponible ]

Joni Mitchell (nacida como Roberta Joan Anderson en Alberta, Canadá, el 7 de noviembre de 1943) es una cantante y pintora canadiense.

Comenzó su carrera musical actuando en pubs y bares, y se hizo famosa por la calidad de sus letras y su innovador estilo con la guitarra, que hace un uso frecuente de afinaciones alternativas. Ha sido fumadora desde los 9 años, lo que puede explicar por qué su voz es tan singular. Esto se ha hecho especialmente evidente en sus álbumes posteriores.

Casi todas las canciones que ella compuso con su guitarra usan una afinación abierta, o no estándar. Ha escrito canciones en alrededor de 50 afinaciones diferentes. El uso de afinaciones alternativas y su estilo de rasgueo altamente rítmico crea un sonido rico y único.

Mitchell puede ser considerada una "música de los músicos"; su obra ha tenido una enorme influencia en una gran cantidad de artistas; no sólo ha influenciado a cantautores similares como Sheryl Crow y Shawn Colvin, sino a un número importante de artistas en diversos géneros, como Pink Floyd, Led Zeppelin, K.D. Lang, Elvis Costello, PM Dawn, Janet Jackson, Agnes Chan, y Prince.

Recientemente, Joni Mitchell mencionó su descontento con el estado actual de la industria, diciendo que había caído en un gran "pozo negro", y afirmando que "odia la música" y que quisiera recordar lo que alguna vez le gustó de ella. Expresó su aversión hacia el dominio de la industria discográfica, y su deseo de controlar su propio destino, posiblemente lanzando su propia música por internet.

Fuente: Colaboradores de Wikipedia. Joni Mitchell [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2013 [fecha de consulta: 26 de mayo del 2013]. Disponible en http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Joni_Mitchell&oldid=64594946.



Para saber más:
http://jonimitchell.com/
http://www.youtube.com/artist/joni-mitchell