Consejo acojonante de orquestación

Por cierto, estoy escuchando piezas de Rodney Sharman y me están encantado... Mirad qué pieza más especial

vagar escribió:

Al compositor que trabaja con librerías esto ni le va ni le viene

Más bien que a quienes trabajamos con librerías creemos que ni nos va ni nos viene, pero utilizar los rangos óptimos de los instrumentos es lo que hace que nuestras piezas se parezcan a los grandes hallazgos de orquestación que escuchamos. Esas técnicas de orquestación funcionan por algo, y también harán brillar mucho más una composición con samples.

Peso y presencia no es que sean conceptos novedosos, es el abc de la orquestación, en realidad, cojas el libro que cojas. Y sí, está muy bien que lo recordemos de vez en cuando. Recomiendo este blog para descubrir técnicas orquestales (con orquesta real, por supuesto), para ver cómo y por qué han hecho cosas los maestros:
https://orchestrasounds.com

Maravilloso blog con muchísimos análisis
De nada

vagar escribió:

Cualquier buen libro o curso de orquestación incidirá en ello. Por ejemplo, en el capítulo "Scoring for strings" del Adler se ilustra este concepto con el 2º movimiento del cuarteto Emperador de Haydn o reorquestando el 3º movimiento de la 3ª sinfonía de Brahms: no hay gran cambio de color, pero cambian muchas otras cosas, como lo que llama Mr. Sharman la presencia.

El Adler es cojonudo. Justo ayer estuve consultando ese capítulo, y la parte con los ejemplos de la melodía de Brahms con los diferentes instrumentos de la familia es toda una bofetada orquestadora. Fantástico.

Por cierto, que yo estudié primeramente con el Casella. El Rimsky casi ni lo abrimos. Habría que abrir un hilo sobre tratados antiguos y si son aprovechables como manual de orquestación o como historia de la orquestación (Que no digo que sea uno ni otro)

Hay cosas super importantes que, por obvias, pasan al olvido rápidamente y nunca está de más recordarlas aunque sean el ABC de la materia en cuestión, ya sea orquestación, tocar un instrumento, hacer una versión de una canción, la mezcla, etc.

Bravo por tomarte tu tiempo en este post.

#18

Nunca ha estado tan fácil estudiar orquestación como ahora. Además de libros con CD de ejemplos como el Adler, si yo llego a pillar IMSLP, Youtube y las librerías orquestales de ahora hace 25 años, no quiero ni pensar en las horas y el dinero que me habría ahorrado en transporte a la biblioteca, fotocopias de partituras y discos.

#19

Bien dicho. Además, que algo sea fundamental o el ABC no quiere decir que sea fácil de asimilar. Es como jugar al tenis, la teoría es fácil, basta darle con la raqueta a la bola y mandarla a donde el contrario no llegue. Ahora apúntate a Wimbledon a ver cómo te va.

Hay cosas que hasta que no las experimentas no son más que frases bonitas, no está para nada de más que Ludwigvan que haya compartido este momento de epifanía.

vagar escribió:

Bien dicho. Además, que algo sea fundamental o el ABC no quiere decir que sea fácil de asimilar. Es como jugar al tenis, la teoría es fácil, basta darle con la raqueta a la bola y mandarla a donde el contrario no llegue. Ahora apúntate a Wimbledon a ver cómo te va

Qué buena analogía XDXD. !

Por seguir opinando, a ninguno de los presentes se le escapaba antes de este hilo que un violín grave no tiene las mismas posibilidades ni se utiliza en los mismos momentos ni con el mismo objetivo que un violín en su registro más agudo. Es lo que todos hemos comprobado, lo que hablan los tratados de orquestación y hasta 'lo evidente'

Lo que me ha cambiado a mi personalmente la forma de ver el conjunto, por la eficacia del resultado que estoy comprobando, es llevar esto hasta el extremo (como dice en el video) de hablar que incluso dentro de un acorde, notas que están muy pegadas, haya que distinguir esta presencia y fijarse en esas diferencias. Porque he comprobado que funciona, de una forma que no imaginaba. Darte cuenta que en ese instrumento entre el D4 y el F4 por ejemplo hay un cambio en el instrumento que no habías valorado (yo al menos), pero que es muy importante.

Hasta ver este video, o mejor dicho, hasta asimilarlo (que no fue ni mucho menos a la vez), me fijaba si un instrumento estaba en tesituras graves o agudas, o como mucho en graves, medias y agudas. Sin complicarme más. Todos sabemos que una trompeta grave no sobresale por encima de una orquesta como lo hace una aguda, con lo cual en una orquesta tocando a full en forte pues si necesitábamos caña ya sabíamos donde tenía que estar la trompeta.

Lo que me ha cambiado el concepto es pensar un poco más allá, en que cada instrumento en cada nota tiene un nivel de presencia distinta y valorar eso como primera opción para conseguir el resultado que buscas, porque funciona.

Por ejemplo, si tengo una melodía de violines y quiero hacer un contrapunto con vientos, de siempre lo primero que pensaba es en el color. Pues me gustaría más un oboe, por ejemplo, porque la combinación queda chula. Y me he quedado demasiadas veces ahí, forzando a que ese contrapunto se oiga al nivel que yo quiero, pero a base de tocar volumen principalmente o incluso con producción, EQ o compresor. Es lo bueno (¡y lo malo!) que tienen los VST, que puedes mentir. Pero cada vez que 'mientes' luego tiene sus consecuencias.

Porque resulta que ese oboe puede ser que a lo mejor simplemente lo tengas que subir 'un poquito' más de lo que pensabas. O darle un pelín más de agudos en un momento dado. O que a lo mejor tienes que bajar 'un poquito' el chelo o retocarle un poco la EQ para que funcione perfectamente. Pero ese poquito en cada momento de cada tema, hasta que el tema está redondo, es un trabajo tremendo...y equivocado, según estoy viendo. El arreglo debe funcionar tocando y con Modwheel a nivel natural, y si no, te estás equivocando.

Ese contrapunto debe oírse exactamente como te imaginas (si es que está 'bien imaginado', por supuesto!), no con volúmenes subidos o bajados artificialmente o con trucos de mezcla. Y si no funciona, igual es porque tienes que utilizar un clarinete bajo o un fagot porque necesitas que suene más presente, más 'esforzado' de forma natural, buscando un instrumento más grave. O una flauta si quieres lo contrario, que quede más en segundo plano.

Porque seguramente en esa tesitura caben muchos instrumentos, pero tienes que encontrar aquel que tenga esa presencia exacta que necesita el contrapunto con esas notas concretas, por encima del color y la textura, que era lo primero que buscaba yo. O cambiar el contrapunto y adaptarlo a la presencia del instrumento, por supuesto, que es otra opción.

Y si, como me pasa a mi, lo que más te emociona son ciertas mezclas de color de varios instrumentos de distintas secciones, pues tendrás que empezar encontrar el tono adecuado donde esa combinación funcione como debe, si es que existe. Quizás en esos registros subirle o bajarle un par de tonos a la melodía del violín no le afecta, pues tiene la misma presencia, pero resulta que el oboe ya entra en la zona donde su presencia es la adecuada. Pues bien, si en ese tema esa combinación melodía/contrapunto es lo que le da vida, igual es lo primero que hay que encontrar. Aunque luego tengas que cambiar por ejemplo la textura de acordes porque al subir un par de tonos los chelos, que hacían acordes, se vuelven demasiado presentes y tengas que sustituirlos por otro instrumento.

La gran diferencia, el gran mundo de luz y color que estoy descubriendo, es que al cambiar el planteamiento en cuanto a orden de prioridades, todo funciona de otra forma. Hay que retocar todo mucho menos, los volúmenes son más reales, dejas de utilizar las herramientas de mezcla para cambiar planos, porque lo haces de esta forma. La mezcla no se utiliza para que funcione, sino para mejorar algo que ya funciona.

Eso sí, a los que no tenemos mucha teoría musical y obviamente no hemos conocido de cerca el 90% de los instrumentos de una orquesta más que de lejos y tocando todos a la vez, se convierte en la pequeña obsesión de que cada vez que pones un acorde te empiezas a fijar de forma hasta absurda en el papel de cada nota. Pero ese tiempo perdido se convierte en tiempo ganado posteriormente, cuando todo encaja mucho mejor. Entiendo que igual que nos ha pasado en otras fases de aprendizaje, llegará un momento en que sin escucharlo, tengamos interiorizado cual es la presencia exacta de un determinado instrumento en una determinada tesitura.

Si algo me ha dado rabia desde que empecé a trastear con VSTs es la cantidad de temas que he dejado a mitad. Tengo decenas y decenas. Llegado el momento, me doy cuenta de que no funcionan. Algunos por falta de ideas, por primerizos o porque simplemente son malos de narices, por supuesto, pero unos cuantos (bastantes), porque algo que me suena muy bien en piano no he sido capaz de dar con la tecla de que transmitiera lo mismo con la orquesta.

Desde que me he apuntado a este carro, he abierto como 5 ó 6 de estos proyectos, con un palmo de polvo. Y, si no recuerdo mal, en todos he podido encontrar con una cierta rapidez motivos relacionados con este efecto que con cambios sencillos que dan vida a los temas. Subir o bajar el tono del tema, cambiar el instrumento que lleva la melodía principal, cambiar ese staccato que no tiene la suficiente presencia de violines a violas, subir o bajar una octava los acordes, etc etc. Me he centrado en lo principal, y el problema es que las 4-5 pistas que llevan el peso no tienen ese equilibrio.

Creo que a estas alturas ya no me cuesta enviar un arreglo a la papelera, por mucho que me haya costado, cuando veo que no es bueno. Me costó mucho llegar a ese nivel de sacrificio XD. Pero lo que me ha matado muchas veces es tener un arreglo que interiormente creo que está bien, pero que no funciona.

En fin, seguro que muchos habíais llegado antes a estas conclusiones. En mi caso, pues más vale tarde que nunca, jeje.

Ludwigvan escribió:

La mezcla no se utiliza para que funcione, sino para mejorar algo que ya funciona.

Yo cada vez tardo menos en mezclar.
El secreto es:
Una buena orquestación y una buena programación.
Con estas dos cosas, pasas a audio y el tema suena sólo prácticamente.

#22 ludwingvan, estoy muy de acuerdo con todo eso que dices. Llevo poco tiempo en esto y tambien me he dado cuenta de algunos de los errores que relatas despuesde perder mucho tiempo toqueteando. Pero supongo que eso es lo que llaman "curva de aprendizaje" (y más en mi caso que partia de 0).
Yo al principio los volumenes los manejaba con el volumem de cada pista, hastaque leí por aqui, creo que a karpin o teniente, que el volumen lo dejaban a un nivel fijo todo el tema y lo que tocaban era las modulaciónes (esencialmente e cuerdas) y entonces se me abrió otro mundo.
Con el ejemplo que has puesto del oboe me he sentido totalmente identificado,jeje, también lo he sufrido. De hecho no consigo "colocar"un oboe en ciettos pasajes por que no consigo que case bien com el resto.

Slds

Jodfri escribió:

Yo al principio los volumenes los manejaba con el volumem de cada pista

... por lo que leo, yo sigo en un estadío primitivo. Tendré que empezar a "toquetear" menos y "tocar" más.

Antonio Leal escribió:

por lo que leo, yo sigo en un estadío primitivo. Tendré que empezar a "toquetear" menos y "tocar" más.

depende de la libreria. En CSS solo uso el modwheel (el volumen lo dejo a un 90%). Pero en winds y brasses ya es más complicao, ahí hay que jugar con los 2 parametros. Pero vamos, que te voy a contar yo a ti

Yo ya sabéis que sólo uso CC1 y si acaso un poquito de CC11 en algunas cosas. El volumen general de la pista, salvo que haga algo con pistas de audio (especialmente pistas de voz), no lo toco nada de nada. Lo planto al nivel que me gusta y así se queda.

Jodfri escribió:

el volumen lo dejaban a un nivel fijo todo el tema y lo que tocaban era las modulaciónes

Hace ya un saco de años le decía yo eso a todo un especialista de este foro, Barbol (donde andará....), que también tocaba volúmenes en lugar de la modulación. Se me hacía raro que un tío que hacía una música alucinante como él no trabajara así.

Jodfri escribió:

En CSS solo uso el modwheel

Jodfri escribió:

Pero en winds y brasses ya es más complicao, ahí hay que jugar con los 2 parametros

Iskra escribió:

Yo ya sabéis que sólo uso CC1 y si acaso un poquito de CC11 en algunas cosas. El volumen general de la pista, salvo que haga algo con pistas de audio (especialmente pistas de voz), no lo toco nada de nada.

teniente_powell escribió:

tocaba volúmenes en lugar de la modulación.

En relación a este tema, es intersante echarle un ojo a este pantallazo de Junkie XL (supongo que todos hemos visto el video).

Ludwigvan escribió:

encontrar el tono adecuado donde esa combinación funcione como debe

Una de las grandes ventajas del sistema temperado, y una de las razones por las que un compositor elige una tonalidad u otra.

Hay una disposición de acorde mayor muy equilibrada y contundente, que refuerza mucho la serie armónica de la fundamental, que es fundamental, quinta, décima mayor (tercera mayor+octava) y décimoquinta (doble octava). En un piano, tocada desde el Mi una línea adicional por debajo de la clave de Fa (Mi2, Si2, Sol#3, Mi4), no hay sonido más redondo, para mi gusto. Si bajas de ahí se empieza a emborronar, y si subes empieza a perder contundencia. El punto de caramelo es ese Mi.

Descubrí la magnificencia de ese acorde transcribiendo un tema de un disco de Tete Montoliú, aunque en ese caso la doble octava era una séptima de dominante, que también suena que te caes de espaldas. Son cosas que leídas en un libro o en un foro no dicen gran cosa, pero una vez experimentadas se te quedan grabadas.