Hola compi,
Te explico lo poquito que sé yo, mezcla de mi experiencia, todavía pequeña en este aspecto, y lo que me he podido informar.
Primero que el Nuendo, a pesar de compartir motor de audio, aspecto y la mayor parte de las características con el Cubase está más orientado a la producción de audiovisual. Lo he utilizado, pero no he exprimido sus características especiales en absoluto, creo que había un hilo con las diferencias entre ambos. No te costará nada hacerte con él si trabajas con el Cubase, el aspecto es el mismo y la forma de funcionar también, simplemente tendrás que profundizar las ventajas que trae para video.
Como te comentan hay muchos otros programas, lógicamente más orientados a la mezcla final del audio con el video, pero creo que no es tu caso. Y si estás acostumbrado al Cubase, aun más te aconsejo el Nuendo, a parte que sé que utilizas VSTs y es el programa que más soluciones te puede ofrecer para ambas cosas que no te limite en otros aspectos. Yo en su momento probé (no profundamente, eso sí) varios programas y me decanté por el Nuendo, para mí era fundamental un buen soporte para el midi.
Por otra parte, la teoría dice que hay que distinguir en el audiovisual si el sonido que aparece en pantalla es diegético (= la fuente de sonido aparece en pantalla, una radio, un protagonista cantando, un grupo tocando) o no diegético, en que el sonido aparece sin que haya ningún elemento en pantalla que lo produzca.
En un documental casi siempre, por no decir siempre, será sonido no diegético, con lo cual no entramos a analizarlo, simplemente acuérdate de esto porque igual te lo nombran en algún momento y recuerda que hay que darle un tratamiento especial un poquito dinstinto, generalmente tiene planteamientos más rígidos.
Te explico como hago yo la sincronizacion, aunque sigue investigando pues no te puedo asegurar que sea un buen método. Como te he dicho antes, aún no tengo una gran experiencia, y aunque me he informado todo lo que he podido, pienso que aún estoy muy verde, aunque quizás te sirva como punto de partida. Y cambia completamente componer algo a tu bola que hacerlo para imagen, es muy muy distinto.
Importo el video al nuendo, y tras unos cuantos visionados profundos de las imágenes a musicar, y después de haberlas dividido en escenas, y antes de empezar a componer una sola nota, intento 'sacar' el ritmo de las imágenes.
Puede ser constante o no, lo que sí suele es mantenerse más o menos lineal en cada escena. Mientras veo las imágenes, separo las escenas y voy una a una, con la guitarra en la mano probando ritmos que encajen. Si veo cambios bruscos de una escena a otra, trato las escenas separadamente, el objetivo es averiguar a cuántas negras por minuto y en qué compás tengo que componer, pues de nada me serviría hacerlo al revés.
Hay buenos directores, tanto de cine como de documentales, que llevan un pinganillo con una claqueta para grabar las escenas. Y no es que quieran facilitar la labor posterior del músico
, jeje, sino que aunque los profanos no nos demos cuenta en el mundo de las imágenes también es conveniente llevar un determinado ritmo.
A parte, pensad que antes de empezar a rodar si la producción es seria tiene perfectamente dividida la producción audiovisual (documental, cine), en escenas, sabiendo qué debe aparecer en cada una de ellas y qué duración ha de tener. Y saben que para que al montar esas escenas no se produzcan desajustes, con claqueta o no las escenas deben llevar un cierto ritmo, pues si no se pueden encontrar en la fase de montaje con que la producción queda mucho más larga o corta de lo que pensaban, o no se mantiene al espectador enganchado por sus cambios de ritmo ilógicos.
Una vez sacado el ritmo principal de cada escena, y simplemente con la claqueta del nuendo ajusto la línea de tiempo, pues ese ritmo que te he comentado antes seguramente existe, pero nunca será perfecto.
Lógicamente hay que evitar cualquier alteración brusca en esta línea, cualquier rallentando o accelerando tiene que ser natural.
Una vez que cada escena ya tiene su ritmo 'clavado', estudio un poco las transiciones entre uno y otro; si en una escena hemos 'descubierto' un ritmo en 3/4 a 80 negras por minuto, y la siguiente escena el ritmo es 4/4 a 120, marcamos los últimos compases intermedios como 'aquí tendremos problemas', jejeje.
También es importante, aunque quizás se pueda dejar para más adelante, ir preparando los 'efectos especiales', segundos en los que hay que hacer un crescendo súbito, meterle unos crotales o hacer cuaquier efecto porque la escena necesite 'llamar la atención'.
Una vez que tengo estudiados todos estos elementos, yo particularmente (me gusta trabajar más en sibelius..) exporto a midi, y empiezo a componer, una línea muy básica basada en ese ritmo. Ya sé qué va a ir en cada escena y tengo el ritmo, y tengos marcados los puntos de transición que por ahora dejo vacíos o medio vacíos. También compongo con el Sibelius porque soy aunque soy el máximo defensor de la expresividad y de la humanización, ya te pondrán en bastantes aprietos rítmicos las imágenes como para no hacerlo cuadrado...
Por supuesto, aunque compongamos varias escenas separadas en varios ritmos, separadas por varios compases en blanco, tenemos que tener en cuenta que se trata de una misma obra y que luego habrá que darle una cohesión, con lo cual intentaremos no hacer cambios bruscos de tono y utilizar elementos musicales que sean relacionables. Me refiero que podemos hacer una escena lenta con una flauta y un chelo y cuando sube de ritmo poner unas trompas y unos contrafagots, porque son instrumentos que pegan entre sí. Pero después de esa primera parte con flauta y chelo hacer otra escena con guitarras eléctricas o con sintes en plan new age le quita toda la credibilidad. Pensándolo bien, seguramente esta sería la primera decisión que debiéramos tomar, el ambiente instrumental que va a tener el audiovisual....
Una vez que ya tengo midi por decirlo de alguna forma, sin detalles musicales, lo importo desde nuendo. Ahora, y antes de ponernos a hacer arreglos a saco, le damos una pasada a los ajustes de tiempo (ya tendremos una base más sólida), y nos empezarán a encajar las cosas.
Para mí mientras se compone es importante tener muy claras las imágenes, saberse el video, pero no estar mirandolo directamente al componer. Dejarse inspirar oyendo machaconamente el ritmo que hemos obtenido de la escena.
Si seguimos las imágenes puede suceder con facilidad que se produzca el efecto que llaman "mickeymousing" que es remarcar exageradamente las características rítmicas de la escena adaptando en demasía la música a ella.
Por poner el ejemplo típico, imagina una persona en una peli de gansters andando deprisa, de noche y con miedo, por un callejón oscuro, sabiendo que le va a pasar algo malo. Pues bien, debemos sacar el ritmo de la escena (que seguramente será el ritmo de sus pies), y luego componer sin estar pendientes de la escena. Porque si lo hacemos, acabaremos ajustando la melodía de forma perfecta al ritmo que marque su paso en demasía, haciendo que en vez de transmitir tensión parezca un dibujo animado.
Por eso para mí lo importante es obtener el ritmo de la escena, y primero componer de forma más o menos libre una idea musical acorde con el ambiente que sugiere esa escena, ahora después vendrá la fase de adaptación.
Vamos a poner un ejemplo gráfico, que para lo que viene ahora será muy descriptivo: tenemos tres escenas, un león agazapado viendo las gacelas que se va a merendar, la escena de la persecución y la escena en que se la papea.
Vamos a hacer todas las escenas con orquesta sinfónica. En la primera hemos creado una música de tensión, pero a ritmo lento, las imágenes no se sucenden a gran velocidad. Pongamos que hemos puesto un contrabajo que va marcando cadenciosamente el ritmo de las imágenes y algún arpegio en pizzicato creando tensión.
La segunda es frenética, una mezcla entre persecución policial y música de batalla de película de romanos, mucha percusión y alguna trompa. Y la tercera es música triste, sólo un par de instrumentos tocando en ritmo lento y mucho más melódico, con un cierto toque fúnebre.
Pero todo lo hemos creado sin detalle, simplemente hemos hecho unas líneas melódicas, un leiv motiv sin demasiados arreglos.
Una vez importado el midi desde el Nuendo, lo primero es ajustar de nuevo la línea de tiempo para que coincidan música e imágenes, y ahora ya tiene que ser de forma casi milimétrica.
Ahora ya se trata de darle más carácter a esa música, pero basándonos en las imágenes; en la primera escena hay una imagen en que la cámara enfoca de frente durante dos segundos al león mirando fijamente a la gacela, pues le ponemos un contrafagot con un pequeño crescendo de la orquesta para que nos transmita un poco de miedo.
En la segunda, hay un momento en que la gacela le mete un quiebro al león cuando ya pensábamos que iba a derribarla, pues metemos unas notas que den la sensación de 'huyyyyy, al larguero!!!!!!!', algún roll de percusión.
Pienso que el carácter de la última escena sería mucho más lineal, ya no hay movimiento ni tensión, ni se espera que lo haya porque es el fin del argumento de ese grupo de escenas.
Después de retocar estos aspectos, sólo falta currarse unas buenas transiciones entre las tres escenas, lo más suaves posibles cuando no queremos llamar la atención, y lo más exageradas posibles (pienso por ejemplo que sería de la primera a la segunda escena) cuando queremos exaltar el dramatismo.
Uf, qué rollo, una vez más. Bueno, espero que te sirva!. Eso sí, recuerda por favor que estoy empezando en esto, y aunque investigo y leo todo lo que puedo, seguro que los métodos son mejorables, tómalo como un punto de vista y de partida, pero sigue investigando...
Abrachos
