Hola! Traigo un pequeño análisis de esta obra que siempre me ha gustado mucho.
La fundición de acero es la intro de un ballet de Alexander Mosolov, el resto de la música se ha perdido. Es su obra más famosa, de hecho yo recuerdo escucharla de fondo en un montón de películas cuando hay escenarios industriales (La jungla de cristal 3, por ejemplo). La pieza es de los años 20 y describe musicalmente una fábrica de manera bastante efectiva, la verdad es que no me extraña que sea tan popular. Aquí el audio con partitura medio borrosa:
La pieza tiene 3 partes (A-B-A). De la sección central no voy a hablar porque me interesa más el resto. Es bastante sencilla en realidad, pero me parece interesante cómo se lo monta Mosolov a nivel orquestal. La primera parte se puede dividir en dos: una introducción en la que se monta poco a poco el acompañamiento y luego la melodía sobre ese acompañamiento. Empecemos:
Lo que me parece más interesante de la introducción es que Mosolov trabaja con ostinatos (o loops), me recuerda mucho a los típicos temas de música electrónica en los que primero escuchamos un par de compases del kick, luego se añade la caja, el charles, etc. De hecho eso es exactamente lo que ocurre aquí pero con las diferentes secciones de la orquesta. Va sumando poco a poco, haciendo un crescendo muy bien graduado hasta llegar a un tutti bestial. He preparado una reducción para verlo todo de un plumazo, la tenéis en las imágenes adjuntas. El ostinato base es un compás en más o menos Do menor, que alterna con un acorde chungo que se basa en Reb y Fa#, así que realmente tenemos un Do menor bastante enriquecido con disonancias y adornos.
Orquestalmente lo que hace es empezar con la base de los instrumentos más graves haciendo la base armónica (chelos y bajos, timbales, bombo, metales graves, fagot y contrafagot), y con las violas tiene un diseño rítmico en los medios para rellenar el compás. A partir de ahí empieza a añadir instrumentos agudos y figuraciones cada vez más rápidas. Se ve que entre orquestación y figuración rítmica quiere conseguir la mayor densidad posible (no he indicado cuántas repeticiones de cada módulo hay):
- Primero añade trompas, y una notilla suelta de armónicos de violines
- Luego añade flautas y oboes haciendo un diseño rápido. Me mola mucho que añade también los violines haciendo notas rápidas al principio y final de ese diseño porque consigue una mezcla de timbres super chula.
- Luego empieza a meter más ruido con la percusión añadiendo un trémolo de platillo. Mete también las trompetas haciendo un complemento rítmico y se lleva los fagotes y trombones un poco más arriba.
- Luego añade el tam tam y la plancha de metal. Es digno de mencionar cómo estos dos se comen a casi toda la orquesta cuando tocan.
- Por último, añade el flautín (en frullato) en el registro agudísimo y lo dobla con los violines 1 (ya no queda espacio para nada más porque está todo petado). Mola porque el loop de violines y flautín dura dos compases en vez de uno, así que no queda tan machacón el conjunto porque se amplía la duración del bucle.
Y ya con todo montado pasa a colocar la melodía de las trompas encima de todo esto (0:56 del video). El ostinato se queda todo el rato igual, lo interesante ahora es la melodía. El muy bruto pone todas las trompas a unísono, tocando lo más fuerte posible y por si fuera poco les dice que se levanten con la campana dirigida al público. Es una pasada como a pesar de la locura que tiene de fondo se las oye perfectamente.
Luego viene la parte B y después, en 2:37, la reexposición del tema principal. Es básicamente lo mismo que la primera vez aunque con unos pequeños cambios:
1. La melodía un poco más corta (y ya no hace falta la intro, claro)
2. Añade el yunque haciendo todos los pulsos.
3. Al flautín le pone un bucle nuevo, marcando también todos los pulsos. Yo creo que esto es para ayudar a destacar el yunque.
Hay dos cosas que me parecen interesantes en esta reexposición:
La primera es que la prepara con un gran crescendo, pero justo antes de entrar a la sección, pone un pequeño silencio. No recuerdo en qué tratado leí que esta es una técnica para que el clímax sea aún más potente, ya que si metes un silencio justo antes se crea un contraste entre eso y el tutti, mucho más que si entras directo desde el crescendo anterior. Este caso es un gran ejemplo de esta técnica.
La segunda es el final. Después de que las trompas acaben la melodía, empiezan a tocar un tresillo repetido a máximo volumen (en 3:00) casi durante 30 segundos!!!! Digo esto porque me llama la atención que cuando se trabaja con orquestas virtuales, una de las cosas que siempre se mencionan para dar realismo es que tengas en cuenta que los instrumentos de viento tienen que respirar de vez en cuando, y es verdad, pero luego hay que tener en cuenta que también hay casos como este. Si tienes a muchos instrumentistas (4 trompas) haciendo la misma línea y sin pausas, ellos mismos se pueden organizar para que de vez en cuando uno corte un par de notas para respirar mientras el resto de la sección le cubre. Entonces, en un caso así (muchos instrumentistas a unísono), realmente no hay que estar tan atento a las respiraciones.
Y ya está! Es curioso como una pieza como esta puede ser a la vez tan básica (en cuanto a forma y concepto) y tan compleja (en cuanto a orquestación y gradación de los crescendos). Fina fina, me flipa
La fundición de acero es la intro de un ballet de Alexander Mosolov, el resto de la música se ha perdido. Es su obra más famosa, de hecho yo recuerdo escucharla de fondo en un montón de películas cuando hay escenarios industriales (La jungla de cristal 3, por ejemplo). La pieza es de los años 20 y describe musicalmente una fábrica de manera bastante efectiva, la verdad es que no me extraña que sea tan popular. Aquí el audio con partitura medio borrosa:
La pieza tiene 3 partes (A-B-A). De la sección central no voy a hablar porque me interesa más el resto. Es bastante sencilla en realidad, pero me parece interesante cómo se lo monta Mosolov a nivel orquestal. La primera parte se puede dividir en dos: una introducción en la que se monta poco a poco el acompañamiento y luego la melodía sobre ese acompañamiento. Empecemos:
Lo que me parece más interesante de la introducción es que Mosolov trabaja con ostinatos (o loops), me recuerda mucho a los típicos temas de música electrónica en los que primero escuchamos un par de compases del kick, luego se añade la caja, el charles, etc. De hecho eso es exactamente lo que ocurre aquí pero con las diferentes secciones de la orquesta. Va sumando poco a poco, haciendo un crescendo muy bien graduado hasta llegar a un tutti bestial. He preparado una reducción para verlo todo de un plumazo, la tenéis en las imágenes adjuntas. El ostinato base es un compás en más o menos Do menor, que alterna con un acorde chungo que se basa en Reb y Fa#, así que realmente tenemos un Do menor bastante enriquecido con disonancias y adornos.
Orquestalmente lo que hace es empezar con la base de los instrumentos más graves haciendo la base armónica (chelos y bajos, timbales, bombo, metales graves, fagot y contrafagot), y con las violas tiene un diseño rítmico en los medios para rellenar el compás. A partir de ahí empieza a añadir instrumentos agudos y figuraciones cada vez más rápidas. Se ve que entre orquestación y figuración rítmica quiere conseguir la mayor densidad posible (no he indicado cuántas repeticiones de cada módulo hay):
- Primero añade trompas, y una notilla suelta de armónicos de violines
- Luego añade flautas y oboes haciendo un diseño rápido. Me mola mucho que añade también los violines haciendo notas rápidas al principio y final de ese diseño porque consigue una mezcla de timbres super chula.
- Luego empieza a meter más ruido con la percusión añadiendo un trémolo de platillo. Mete también las trompetas haciendo un complemento rítmico y se lleva los fagotes y trombones un poco más arriba.
- Luego añade el tam tam y la plancha de metal. Es digno de mencionar cómo estos dos se comen a casi toda la orquesta cuando tocan.
- Por último, añade el flautín (en frullato) en el registro agudísimo y lo dobla con los violines 1 (ya no queda espacio para nada más porque está todo petado). Mola porque el loop de violines y flautín dura dos compases en vez de uno, así que no queda tan machacón el conjunto porque se amplía la duración del bucle.
Y ya con todo montado pasa a colocar la melodía de las trompas encima de todo esto (0:56 del video). El ostinato se queda todo el rato igual, lo interesante ahora es la melodía. El muy bruto pone todas las trompas a unísono, tocando lo más fuerte posible y por si fuera poco les dice que se levanten con la campana dirigida al público. Es una pasada como a pesar de la locura que tiene de fondo se las oye perfectamente.
Luego viene la parte B y después, en 2:37, la reexposición del tema principal. Es básicamente lo mismo que la primera vez aunque con unos pequeños cambios:
1. La melodía un poco más corta (y ya no hace falta la intro, claro)
2. Añade el yunque haciendo todos los pulsos.
3. Al flautín le pone un bucle nuevo, marcando también todos los pulsos. Yo creo que esto es para ayudar a destacar el yunque.
Hay dos cosas que me parecen interesantes en esta reexposición:
La primera es que la prepara con un gran crescendo, pero justo antes de entrar a la sección, pone un pequeño silencio. No recuerdo en qué tratado leí que esta es una técnica para que el clímax sea aún más potente, ya que si metes un silencio justo antes se crea un contraste entre eso y el tutti, mucho más que si entras directo desde el crescendo anterior. Este caso es un gran ejemplo de esta técnica.
La segunda es el final. Después de que las trompas acaben la melodía, empiezan a tocar un tresillo repetido a máximo volumen (en 3:00) casi durante 30 segundos!!!! Digo esto porque me llama la atención que cuando se trabaja con orquestas virtuales, una de las cosas que siempre se mencionan para dar realismo es que tengas en cuenta que los instrumentos de viento tienen que respirar de vez en cuando, y es verdad, pero luego hay que tener en cuenta que también hay casos como este. Si tienes a muchos instrumentistas (4 trompas) haciendo la misma línea y sin pausas, ellos mismos se pueden organizar para que de vez en cuando uno corte un par de notas para respirar mientras el resto de la sección le cubre. Entonces, en un caso así (muchos instrumentistas a unísono), realmente no hay que estar tan atento a las respiraciones.
Y ya está! Es curioso como una pieza como esta puede ser a la vez tan básica (en cuanto a forma y concepto) y tan compleja (en cuanto a orquestación y gradación de los crescendos). Fina fina, me flipa
